Een Berlijnse tentoonstelling is gewijd aan vanitas-kunstwerken van jonge kunstenaars en beweert: „Niets is toch eeuwig“.
Het vergankelijke heeft altijd een grote fascinatie uitgeoefend op kunstenaars. Lange tijd beeldden ze vergankelijkheid uit – getekend, gesneden, geschilderd op hout en doek. Soms was het verval van het lichaam het onderwerp en motief, soms gluurde de dood om de hoek als herinnering. In de grote stillevens van de barok vierde de kunst het uitbundige leven en gebruikte kleine hints, oogverblindende insecten, aantrekkelijk gerangschikte schedels en de enkele licht verdorde stengel om de dreiging van vergankelijkheid als een klein, mooi gebaar uit te beelden. Maar als zo’n werk echt dreigt te vervagen, helpen restaurateurs het te behouden.
De houding van de kunstenaars ten opzichte van het verdwijnen van hun eigen werk is natuurlijk fundamenteel veranderd. Voedsel, bloemen en vergankelijke objecten worden niet langer alleen afgebeeld, maar ook gebruikt – zelfs ten koste van de directe, fysieke dood van de kunstwerken. Dieter Roth, de kunstenaar die het meest intensief met voedsel werkte, verwierp restauraties volledig: „Kunstwerken moeten veranderen zoals mensen, ouder worden en sterven,“ zei Roth. Bijgevolg zijn veel van zijn werken nu slechts ondefinieerbare hoopjes – voorbij en verloren voor tentoonstellingen. Een konijnenfiguur gemaakt van konijnenmest, „Karnickelköttelkarnickel“, is echter goed bewaard gebleven en is te zien in de tentoonstelling „Vanitas – Ewig ist eh nichts“ in het Georg Kolbe Museum in Berlijn. Het is een van de oudste voorbeelden van kunst die het verval thematiseert dat in deze tentoonstelling wordt getoond.
De tentoonstelling wil dit laten zien: Het thema houdt kunstenaars van alle generaties bezig – zelfs de jongste. Daarom had het Sculptuurmuseum geen moeite om werk van jongere kunstenaars te vinden en sommigen van hen te inspireren om nieuw werk te maken. Bijvoorbeeld de handgranaten van Mona Hatoum van handgeblazen Murano-glas die glinsteren als kostbare voorwerpen, een zelfportret van Thomas Schütte dat doet denken aan dodenmaskers of de skeletachtige figuren van Pawel Althamer. Allemaal houden ze zich – op een nogal traditionele manier – bezig met verval als een levensproces.
Het visualiseren van het verstrijken van de tijd speelt daarentegen geen rol voor Alicja Kwade. Ze heeft al een staande klok vermalen en de losse onderdelen in poedervorm in potjes gedaan, netjes gescheiden op kleur. Wie dit soort werk kan doen, maakt over honderd jaar weinig werk voor restaurateurs. De Japanse kunstenaar Kei Takemura heeft haar taak helemaal op zich genomen. Ze restaureert kapotte alledaagse voorwerpen zoals brillen, glazen en servies met behulp van de oude, bijna vergeten Japanse kintsugi-techniek. Bij deze techniek worden de kapotte onderdelen weer in elkaar gezet met Japanse lak en goudfolie. Takemura bedekt de objecten vervolgens met een fijne gaasstof en borduurt de afgedekte breuken met een zijden draad zodat ze van buitenaf zichtbaar zijn.
De procesmatige kunstwerken van Luca Trevisani en Reijiro Wada, die op elk moment herhaald kunnen worden, maken conserverings- en conserveringspraktijken volledig overbodig. Voor elke nieuwe tentoonstelling van het werk „Freeze“ van de Japanse kunstenaar Reijiro Wada is vers fruit nodig, dat tussen glazen platen wordt gelegd. Hun verval maakt deel uit van het werk. Hetzelfde geldt voor de bloemen van Luca Trevisani, die als kunstwerk „James Hiram Bedford“ voor lengtes witte stof hangen en eerst bloeien en dan vervagen in de loop van hun tentoonstelling. Met de titel van het werk zinspeelt Trevisani op de psychologieprofessor James Hiram Bedford, die in 1967 zijn lichaam liet invriezen in de hoop dat hij, die aan longkanker leed, door nieuw onderzoek weer tot leven kon worden gewekt en genezen.
Natuurlijk kun je bij een kunstwerk als dat van Tomás Saraceno alleen maar blij zijn dat het slechts voor het moment bestaat en niet bewaard hoeft te worden. Voor zijn werk „Omega Centauri 1 Nephila Kenianensis 4 Cyrtophora citricola“ liet Saraceno twee verschillende soorten spinnen hun webben over elkaar spinnen. In de verduisterde, zwart omlijnde tentoonstellingsruimte met een lichteiland en levende spinnen, worden de delicate structuren gecreëerd voor de duur van de tentoonstelling, wat het thema van vergankelijkheid in een van zijn meest fragiele vormen illustreert.
De titel van de tentoonstelling „Eeuwig is toch niets“ zou zeker kunnen worden opgevat als een uitdaging aan het werk van restaurateurs. Het is echter slechts een uitdrukking van de stemming van de tijd, die volgens curator Nathalie Küchen tot uitdrukking komt in YOLO, het jongerenwoord van het jaar 2012. YOLO staat voor „Je leeft maar één keer“. Wie zou het daar niet mee eens zijn?
Berlijn, Georg-Kolbe-Museum, t/m 31 augustus, catalogus: 18 euro